Гостиная – основная комната в доме. В ней собираются не только домочадцы, но и гости. Важно сделать такой интерьер, чтобы в комнате было комфортно и спокойно.

Только представьте, красивый парусник, который несется по бескрайним просторам. Белые облака ему указывают путь, а голубое небо спокойно и не предвещает бури. Увидев такую картину на стене, сразу хочется расслабиться и погрузиться в мечты о будущем путешествии.

Такая картина отлично вольется в любой интерьер. От нее будет веять прохладой, умиротворенностью и свежестью. Наверное, это лучший вариант для гостиной и комнаты отдыха.

Подойдут картины, которые ассоциируются с отдыхом. Природа – еще один хороший вариант. При взгляде на изображение сразу же хочется все бросить и отправиться в путешествие, чтобы отдохнуть не только телом, но и душой. Пение птиц, легкий ветерок, тишина, шелест ручья, запах хвои и листвы заставляют забыть о проблемах и думать о хорошем.

Оформить гостиную можно по-разному. Пейзажи не испортят интерьер, а, наоборот, сделают его лучше. Для этой комнаты подходят леса, цветущие поля, натюрморты, уютные улочки и картины, показывающие жизнь отдельных людей. Яркие тона поднимут настроение и заставят забыть о скуке.

Спальня – комната, куда разрешен вход только избранным. Тут не устраиваются застолья, не принимаются гости, и хозяева приходят сюда только для того, чтобы отдохнуть.

Но это не значит, что не нужно в этой комнате работать с интерьером. Картины не испортят внешнего вида. Однако не каждое изображение подойдет для спальни.

Важно подобрать такую картину, которая будет располагать к приятным думам и заставит расслабиться. Агрессивные изображения станут причиной плохого настроения и повлияют на качество сна.

Для спальни подходят цветы, живописные луга, леса и красивые виды на водоемы. Это может быть морское побережье, оживленная набережная, заброшенное озеро, спокойная речушка и пристань.

Психологи рекомендуют обратить внимание на картины, на которых изображены романтические отношения. Изображение поможет восстановить мир в семье и научиться понимать своего партнера.

Неплохо будут смотреться картины спящего города, утреннее пробуждение, закаты и рассветы.

Даже на кухне должны быть картины. В этом помещении уместны изображения на кулинарную тематику.

К примеру, если кухня оформлена в стиле прованс, то можно подобрать ретро-картины, на которых изображена реклама французской продукции или старинных пекарен.

Для классического интерьера подходят натюрморты, которые были сделаны в прошлые века.

Современный стиль позволяет использовать фотографии различных продуктов. Это могут быть фрукты, выпечка, композиции из тыквы и других овощей. Хорошо смотрится кофейная тематика. Около барной стойки можно разместить картины винной тематики.

Какие картины пользуются популярностью сегодня?

Современные предпочтения людей отличаются от тех, которые были несколько лет назад. Подбирая картины, стоит помнить об этом.

Пейзажи и натюрморты уже не пользуются большим спросом. Наверное, только коллекционеры будут покупать их и размещать у себя дома. Но не потому что они украшают интерьер, а потому что представляют художественную ценность.

Массовый интерес к классической живописи постепенно остывает. Если кто-то и обращает внимание на подобные картины, то только в том случае, если интерьер оформляется в стиле классицизма или барокко. Подобное интерьерное оформление по карману не каждому. Только состоятельные люди, имеющие большие загородные дома, могут продемонстрировать свое состояние.

Но это вовсе не значит, что эти произведения искусства не заслуживают внимания. Однако мода диктует свои правила, и сейчас в тренде совершенно другое.  

Картины в интерьере – это авторские работы малоизвестных художников, а также копии картин, которые были написаны несколько столетий назад. Украсить помещение также можно модульными картинами и постерами.

Картина будет к месту только в том случае, если она подобрана под стиль оформления комнаты. Она гармонично впишется в общую концепцию, и интерьер приобретет завершенный вид.

Если предпочтение было отдано живописи, то стоит приобрести картины, например, написанные в стиле экспрессионизма.

Постеры могут заменить дорогостоящие картины. Обычные прямоугольные изображения смотрятся довольно интересно.

Особой популярностью пользуются модульные картины. Они смогли заменить стандартные изображения. В интерьере подобное решение смотрится эффектно и необычно. Тематика может быть самая разная.

Современные модульные картины – это изображения, которые вешают на стены, для того чтобы было, о чем поразмышлять на досуге и пофантазировать. Смелые и креативные изображения не испортят внешнего вида.

Но подходят они только для современных интерьеров. Классика не терпит нововведений.

Расположение модульных картин может быть разным. Их можно повесить как вертикально, так и горизонтально. Если изображения будут висеть горизонтально, то они расширят стену. Вертикальное расположение визуально поднимает потолки и делает комнату выше.

Краткая история исторического литого зала ICAA

Добро пожаловать в Литой зал Института классической архитектуры и искусства!

За элегантным фасадом в стиле ренессанс по адресу 20 West 44th Street, где находится штаб-квартира Института классической архитектуры и искусства (ICAA), находится одна из самых уникальных и легендарных коллекций скульптурных объектов в Нью-Йорке. Немногие прохожие на улице внизу могут знать, что в светлой комнате на верхнем этаже находятся работы, которые предлагают понимание истории классического искусства, эволюции западных кураторских усилий и редкой ныне практики гипсового литья, в которой сохранились прекрасные копии скульптура от античности до архитектуры 21 века.

Наша коллекция на 20 West 44th Street была неотъемлемым учебным пособием для Института классической архитектуры и искусства с 2004 года, где сотни студентов, художников, архитекторов и энтузиастов узнали и черпали вдохновение из наших реплик 19 века классицизма и эпохи Возрождения. , а также скульптура и архитектура в стиле барокко.

Краткая история нашей коллекции

Хотя посетителям музеев 21 века может показаться странным, что галереи заполнены гипсовыми копиями древних скульптур, в 19 веке гипсовые слепки считались неотъемлемой частью музейных и образовательных коллекций.В эпоху, когда путешествие, чтобы увидеть шедевры классического мира, было трудным, слепки давали публике по всей Европе и США доступ к скульптуре, архитектурным фрагментам и декоративному искусству. Поскольку слепки позволяли художникам и посетителям изучать трехмерные объекты с идеальной детализацией и масштабом, репродукции не подвергались никакому клейму.

Публика XIX века также была очарована классическим миром, и касты сыграли важную роль в привлечении классического искусства к этой нетерпеливой публике. Этот интерес был двояким. Во-первых, раскопки на протяжении 18 и 19 веков продолжали раскапывать все новые и новые сокровища древнего мира, привлекая внимание общественности. Открытия из этих раскопок часто были видны на таких мероприятиях, как Парижская выставка Universelle Exposition 1867 года, куда стекались более пятнадцати миллионов посетителей, чтобы увидеть чудеса, включая недавно обнаруженные римские и греческие скульптуры.Во-вторых, в области истории искусства классическое искусство считалось вершиной художественного творчества, поэтому стипендии и художественная подготовка были сосредоточены на изучении и использовании классических художественных принципов. В результате музеи сделали приоритетным приобретение древних произведений для своих коллекций, чтобы удовлетворить желания публики, ученых и художников.

Таким образом, крупные музеи, такие как Музей Метрополитен, начали пополнять свои коллекции слепков, чтобы гарантировать, что их коллекции включают классические предметы «высочайшей красоты и неоценимой ценности для формирования здорового вкуса в искусстве» и отражают то, о чем кричали их посетители. чтобы увидеть. В 1883 году MET начал двенадцатилетний процесс сборки своей коллекции и, получив подарок в размере 100000 долларов от нью-йоркского бизнесмена Леви Хейла Уилларда, они начали покупать слепки в гипсовых ателье по всей Европе, включая мастерскую, расположенную в Лувре.

С 1883 по 1895 год под руководством Генри Маркванда Комитет по слепкам приобрел 2 067 произведений, которые варьировались от греческих и римских предметов до скульптур эпохи Возрождения и средневековых архитектурных элементов. Отливки заполняли галереи MET, вдохновляя художников и восхищая школьные группы до 1940-х годов, когда недавно приобретенные музеем оригинальные произведения древнего искусства вытеснили гипсовые реплики.

Коллекция хранилась на складах в Верхнем Манхэттене и Бронксе до начала 2000-х годов, когда МЕТ определило потенциальных распорядителей коллекции, включая ICAA. Зал для литья в ICAA был основан в 2004 году для размещения более 200 слепков 19-го века, которые были переданы в дар The MET, где они были восстановлены в соответствии с их первоначальной целью — обучать и увлекать как студентов, так и художников. После пятидесяти лет неиспользования слепки в Cast Hall ICAA ежегодно посещаются школьными группами в трех штатах, и наша коллекция служит источником вдохновения как для студентов, так и для художников.Хотите узнать еще больше? Щелкните здесь, чтобы читать дальше.

8 известных художников, которые спрятали автопортреты на своих картинах

С 15 века до наших дней остается верным изречение эпохи Возрождения: «Каждый художник рисует сам». Помимо простых автопортретов, художники на протяжении веков оставляли особые подписи на своих полотнах, скрытно вставляя свои собственные лица в свои работы необычными и изобретательными способами.

Это чувство собственной важности для художника возникло в эпоху Возрождения, когда гуманистические ценности ценили индивидуализм и творчество. В то время в Европе возникли две тенденции скрытых автопортретов. В Италии художники, как правило, помещали свои портреты на правой стороне картин или запрестольных образов, их глаза сознательно смотрели на зрителя. Художники Северного Возрождения, однако, любили играть с плотным и точным символизмом, демонстрирующим их технические навыки. Автопортреты, которые они использовали в своих картинах маслом, обычно искажаются на отражающих поверхностях, таких как зеркала.

Традиции, начатые в этот художественный золотой век, остались неизменными до наших дней и сохраняются по сей день. Здесь мы видим восемь автопортретов художников, скрытых в некоторых из их самых известных работ.

Портрет Арнольфини Яна ван Эйка (1434)

Ян ван Эйк через Wikimedia Commons

Одна из самых загадочных картин в истории западного искусства, на которую также интересно смотреть. Роскошный свадебный портрет Яна ван Эйка насыщен тщательно обработанными символами богатства и другими символическими деталями.

Ян ван Эйк через Wikimedia Commons

Многое было сделано из маленького выпуклого зеркала на стене позади молодоженов, которое показывает еще две фигуры, входящие в комнату. Жених поднимает руку в явном приветствии, жест, на который отвечает один из мужчин в зеркале. Сразу над ним — цветочная подпись Ван Эйка: «Ян ван Эйк был здесь». Предполагает ли письмо, что зеркальные люди — это художник и его помощник, посещающие своих подданных? Это одна из величайших неразгаданных загадок истории искусства.

«Афинская школа» Рафаэля (1509-11)

Рафаэль через Wikimedia Commons

Знаменитая фреска Рафаэля, написанная на стене Апостольского дворца Ватикана, считается шедевром классицизма. Сцена — это упорядоченная песнь философии. Десятки уважаемых древних мыслителей — от Пифагора до Птолемея — населяют сводчатый мраморный зал с колоннами и кессонными потолками.

Рафаэль через Wikimedia Commons

Фреска — истинное лицо интеллектуализма эпохи Возрождения, и Рафаэль соединил свою эпоху с хваленым прошлым.По словам коллеги-итальянского художника Джорджо Вазари, Рафаэль изобразил своих современников на сцене как философов. Браманте, склонившийся над классной доской, — это Евклид или Архимед; Леонардо да Винчи считается образцом для Платона; а Микеланджело может быть лицом Гераклита. Художник не удержался и включил в смесь собственное лицо: любопытное лицо Рафаэля выглядывает из-за арки в дальнем правом углу фрески, рядом с Птолемеем и Зороастром.

«Страшный суд» Микеланджело (ок.1536-41)

Фреска Микеланджело «Страшный суд» в Сикстинской капелле Ватикана. Предоставлено: AFP / Getty Images

Микеланджело через Wikimedia Commons

В конце концов, мастер эпохи Возрождения смог умно выразить свое разочарование — и немного повеселиться за счет папы — когда он взял фреску «Страшный суд» для алтарной стены часовни. .В центре обширной картины ужасно безглазое лицо Микеланджело провисает, как пустой костюм из бичеванной кожи, от руки святого Варфоломея. Мастер эпохи Возрождения навязал себя мученическому святому, который ждет, чтобы узнать, отправится ли он в рай или в ад после изнурительного испытания веры.

«Давид с головой Голиафа» Караваджо (1609-10)

Wikimedia Commons

Перед своей безвременной смертью в возрасте 38 лет Караваджо изображал себя во многих обличьях, чаще всего в образе греческого бога вина Вакха. .В последний год своей жизни он решил включить автопортрет в изображение победоносного Давида, протягивающего отрубленную голову Голиафа — одну из нескольких версий библейской истории, созданных Караваджо. Эта итерация предлагает неожиданный уровень эмоциональных нюансов для обычно кровавой черно-белой сказки о «силе против правды».

Здесь Караваджо — не молодой, красивый Давид, а побежденный Голиаф, чей рот отвисшей челюсти подтверждает его резню. Вместо выражения удовлетворенной победы на лице Дэвида, смотрящего на свой приз, он выглядит задумчивым и немного печальным, возможно, даже опечаленным.Ученые предположили, что образцом для молодого героя был Чекко, помощник Караваджо в студии и предполагаемый любовник. Таким образом, картина имеет неожиданную психосексуальную близость, которую повторяет меч Давида, стоящий с многозначительной вертикалью между его ног.

«Натюрморт с сыром, миндалем и кренделями» Клары Петерс (около 1615 г.)

Клара Петерс через Wikimedia Commons

Голландские натюрморты кажутся простыми, но часто предполагают сложные размышления о смертности.В то время как техническая сложность жанра и его интеллектуальное тщеславие могли стать препятствием для доступа женщин-художников, женщины в 17 веке процветали в этом жанре. Клара Петерс была одной из самых талантливых художников-натюрмортов своего времени.

Клара Петерс через Wikimedia Commons

Многие голландские художники той эпохи рисовали роскошные композиции с устрицами, пирогами с фаршем, импортными фруктами и перцем на серебряных и золотых тарелках, но Петерс предпочитала скромные демонстрации местных молочных продуктов, таких как сыр и масло с крестьянским хлебом. .И все же она не могла устоять перед тем, как продемонстрировать свои художественные отбивные в одном натюрморте с множеством сыров, миндаля и изящно скрученных кренделей. В отражении оловянной крышки керамического кубка Петерс аккуратно воспроизвела свой автопортрет, точно искаженный изгибом объекта. Вместо подписи художник «вырезал» свое имя на серебряном ноже для масла.

«Коронация императора Наполеона I и коронация императрицы Жозефины в соборе Парижской Богоматери 2 декабря 1804 года» Жака-Луи Давида (1806-07)

Жак-Луи Давид через Wikimedia Commons

Сам Наполеон поручил Давиду запечатлеть свою пышную коронацию 1804 года на монументальной исторической картине, передающей сильный политический посыл власти. Сегодня произведения искусства доминируют в Большом зале Лувра. Он настолько массивен, что его объекты кажутся в натуральную величину; зрители могут почувствовать себя среди красочно раскрашенной толпы, наблюдая за Наполеоном, короновавшим Жозефину

Жак-Луи Давид через Wikimedia Commons

Сам Давид сидит в возвышении в театральной ложе в центре композиции и рисует сцену среди бархатных полотен. , меховые и атласные члены императорской семьи и другие аристократы.На самом деле художник присутствовал на самой церемонии коронации в Нотр-Даме. Его включение в нарисованную версию событий показывает верность художника короне и указывает на его неоспоримые творческие достижения.

«Маленький мечтает, Этюд», Поль Гоген (1881)

Поль Гоген через Wikimedia Commons

Для современных художников и художников-импрессионистов не было ничего необычного включать себя в свои картины; они часто населяли свои сцены парижских кафе, баров и парков.Анри де Тулуз-Лотрек, например, изобразил себя на заднем плане «Мулен Руж» (1892-95), одного из его любимых мест.

Но Поль Гоген использовал необычный подход к автопортрету в «Маленький мечтает, Этюд». Пока ребенок спит, возле кроватки стоит жуткая кукла-шут, слишком оживленная. Присмотритесь к его лицу и заметьте, что дурак — это Гоген. Возможно, художник задумал игрушку как плод детской мечты. В таком случае он скорее кошмар, чем фантазия.

«Пловцы в переулке» Николь Эйзенман (1995)

Николь Эйзенман / Галерея Антона Керна

В переполненных картинах пивных садов и домашних вечеринок, сочетающих историко-художественные стили, Николь Эйзенман возрождает общительный досуг сцены, излюбленные современными художниками XIX и XX веков для современной эпохи.

Сама Эйзенман редко появляется в своих работах, хотя ее друзья и любовники часто заполняют сцены. Однако ранняя картина художника дает типично юмористический, но уязвимый автопортрет.Неистовая композиция представляет собой смесь обнаженных пловцов, хлестающих по дорожкам для коленей, отчаянно цепляющихся друг за друга в необычайно сексуальном взгляде на сцену в бассейне. В правом нижнем углу рисунка Эйзенман, на середине спины, в одних только защитных очках и шапочке для плавания, задыхается. Это смешно, пугающе и жарко одновременно — характеристики, которые кажутся важными для ее будущей работы.

В этой скромной нью-йоркской квартире собрана одна из лучших коллекций произведений искусства в городе

Но Холл взял пример со своей бабушки Розали, пережившей Великую депрессию.По словам Холла, Розали имела репутацию бережливой женщины, которая всегда шла в банк, чтобы что-то отложить. Она постоянно демонстрировала важность экономии денег на черный день, и Холл впитал ее бережливость с юных лет. Сегодня он живет через дорогу от библиотеки и музея Моргана, но до 16 лет Холл даже не подозревал о существовании музеев. «В округе Вакулла не было музеев, — сказал он. Семья могла посетить музей в соседнем Таллахасси только в помазанный «День негров», «чего мы никогда не делали, так как у нас не было машины», — продолжил Холл.

Посвященный ученику, Холл поступил на летнюю программу Йельской средней школы в 1969 году, где он испытал, насколько далеко Нью-Хейвен, штат Коннектикут, находится от сельской Флориды. Штаб-квартира «Черных пантер» находилась в Нью-Хейвене, и мэр города Ричард Ли выступил против войны во Вьетнаме и призвал президента Ричарда Никсона вернуть войска домой. Этот очаг политической активности дал Холлу возможность познакомиться с современным искусством. Американский художник шведского происхождения Клас Ольденбург в знак поддержки студенческих протестов, выступающих против Вьетнама, установил на площади Бейнеке Йельского университета скульптуру тюбика с губной помадой высотой 24 фута, распадающегося изнутри военного гусеничного танка.Холл часами разглядывал работы Ольденбурга. Это преследовало его разум. Все, что происходило в Йельском университете, было лишь фоном. «Это было так хорошо, — сказал он, — и я даже не знал, что такое было. Я думал, что искусство — это просто классические картины в книгах ».

Окончив Боудин-колледж в штате Мэн в 1974 году по специальности «английская литература», Холл был в долгах, но он проводил время в поисках и размышлениях, «создавая кладезь визуальных образов, которые с тех пор повлияли на то, что я собираю», как он выразился. Это.В 1982 году он переехал в Нью-Йорк и начал работать в сфере финансов, что впервые в жизни дало ему деньги. Он подружился с Марвином Хейферманом, который работал в отделе печати у Лео Кастелли, продавца таких художников, как Уорхол и Раушенберг. Еще одним признаком дальновидности Холла стало то, что он купил две фотографии Нэн Голдин из ее серии 1985 года «Баллада о сексуальной зависимости», запечатлевших ночной и наркотический образ жизни друзей Голдина. Он купил «Скинхед, занимающийся сексом, Лондон, 1978» и «C.З. и Макс на пляже, Труро, Массачусетс, 1976 »(названия говорят сами за себя) по 350 долларов каждая. С тех пор отдельные работы из той же серии были проданы более чем за 65 000 долларов.

5 основных фактов о трэйн-холле Majestic Moynihan в Нью-Йорке

Elmgreen & Dragset, The Hive, 2020 Фото: Николас Найт, любезно предоставлено Empire State Development and Public Art Fund, Нью-Йорк

Вдохновленный римскими банями Каракаллы, оригинальный Penn Station в Нью-Йорке отличался высоким интерьером со сводчатыми потолками и фасадом в стиле Beaux-Arts, облицованным 48 массивными колоннами из розового гранита.Но в 1963 году, спустя чуть более полувека после его завершения, архитектурное чудо было снесено, чтобы освободить место для Мэдисон-Сквер-Гарден и шумного подземного лабиринта, который теперь встречает больше усталых от поездов путешественников, чем любая другая станция в стране. Как однажды высказал историк Винсент Скалли: «Через вокзал Пенсильвании человек вошел в город, как бог… Теперь он вбегает, как крыса».

Чтобы предотвратить повторение таких масштабных потерь, город создал Комиссию по сохранению достопримечательностей, которая наделяет архитектурно, исторически или культурно значимыми сооружениями особый статус и регулирует их после назначения.Одно из первых мест спасения было рядом с Пенсильванской станцией, прямо напротив Восьмой авеню: огромного здания Джеймса А. Фарли, главного центра почтовой службы США в центре Манхэттена. Теперь, после трех десятилетий планирования, здание площадью 1,3 миллиона квадратных футов было преобразовано в расширение Penn Station, получившее название Moynihan Train Hall в честь сенатора Дэниела Патрика Мойнихана, давнего поборника инфраструктурного проекта.

Ниже Galerie собрала пять ключевых фактов о новом зале, включая его увлекательное партнерство с Public Art Fund.

Уровень вестибюля Зала поездов Мойнихан. Фото: НИКОЛАЙ РЫЦАРЬ, ФОТО ПРЕДОСТАВЛЕНЫ ИМПЕРИИ ГОСУДАРСТВЕННОГО РАЗВИТИЯ

1.Те же архитекторы разработали оригинальный Penn Station

Известная архитектурная фирма McKim, Mead & White спроектировала старую Пенсильванский вокзал в своем фирменном стиле изящных искусств, популярном во время движения за красоту города в конце 19 века. (В рамках этой практики были созданы такие учреждения, как Бруклинский музей, Библиотека и музей Моргана и кампус Колумбийского университета в Морнингсайд-Хайтс.) В качестве «близнеца» крупного транзитного узла McKim, Mead & White также построили обширное почтовое отделение по соседству. Джеймс А.Здание Фарли. Построенное в 1914 году, внушительное здание было спроектировано так, чтобы соответствовать фасаду с колоннадой своего соседа, и имеет внешнюю лестницу, которая тянется во всю ширину здания от Западной 31-й до Западной 33-й улицы. Компания Skidmore, Owings & Merrill (SOM) осуществила реконструкцию и переоборудование здания в новый железнодорожный цех, строительные работы начались в 2017 году.

Kehinde Wiley, Go, 2020.© Кехинде Вили. Оригинальное произведение искусства, заказанное Empire State Development в партнерстве с Public Art Fund для Moynihan Train Hall. Фото: Николай Найт. Изображение любезно предоставлено художником Шоном Келли, Нью-Йорк, Фонд развития и паблик-арта Эмпайр-стейт, Нью-Йорк.

, 22 апреля 1924 г. и 7 августа 1934 г., из метро Penn Station’s Half Century, 2020.Керамические туши на стекле. Одна из девяти фотопанелей из коллекции «Полувек» на Пенсильванском вокзале. © Стэн Дуглас. Предоставлено художниками Викторией Миро и Дэвидом Цвирнером. Фото: Николас Найт, любезно предоставлено Empire State Development and Public Art Fund, Нью-Йорк.

2.В зале представлены произведения искусства, характерные для сайта, благодаря Public Art Fund

Как и большинство общественных учреждений в Нью-Йорке, Moynihan Train Hall не был бы полным без некоторых монументальных произведений искусства. В качестве свидетельства устойчивости и разнообразия города Empire State Development (агентство экономического развития штата Нью-Йорк) в 2018 году привлекло Public Art Fund к партнерству по заказу некоторых из ведущих художников современности для создания работ для конкретных мест, в конечном итоге отобрав предложения Стэна Дугласа. , Kehinde Wiley и Elmgreen & Dragset.

Дуглас, родом из Канады, просмотрел исторические фотографии старого Пенсильванского вокзала и перевел их на девять панелей керамических чернил на стекле, которые украшают залы ожидания, спроектированные Rockwell Group. Уайли, наиболее известный своими портретами президента Обамы, создал потолочный триптих из цветного стекла с изображением чернокожей молодежи в стиле, напоминающем европейские фрески. Тем временем арт-дуэт Elmgreen & Dragset создал перевернутый миниатюрный мегаполис под названием The Hive , в котором есть небоскребы из нержавеющей стали, алюминия, поликарбоната, светодиодные фонари и лак.

«Ощущение огромных достижений, которое дает открытие Зала поездов и раскрытие этих комиссий, связанных с конкретным участком, является необычайным», — говорит Николас Бом, директор и главный куратор Public Art Fund, Galerie. «Они являются не только индивидуально исключительными и захватывающими произведениями искусства, но и мощными символами творчества и устойчивости нашего города в момент кризиса».

Часы, разработанные Питером Пенуайером, на уровне вестибюля.Фото: НИКОЛАЙ РЫЦАРЬ, ФОТО ПРЕДОСТАВЛЕНЫ ИМПЕРИИ ГОСУДАРСТВЕННОГО РАЗВИТИЯ

3. Архитектор Питер Пеннойер разработал специальные часы для пространства

Отмеченный наградами архитектор Питер Пеннойер, который недавно спроектировал великолепный дуплекс в здании Росарио Кандела, создал особые часы в центре главного зала поезда.«Вдохновленные обработанными углами, которые присутствуют в дизайне золотого века железнодорожных путешествий, наши часы были созданы, чтобы воссоздать лучшее из ар-деко, современного классического стиля, символизирующего джазовый век Нью-Йорка», — говорит Пеннойер. «Рифленые, эшелонированные формы часов представлены в светящейся оловянной отделке, которая будет отражать постоянно меняющийся свет неба над железнодорожным залом Мойнихана».

Новый железнодорожный зал Мойнихан в сумерках.Фото: Николас Найт, любезно предоставлено Empire State Development.

4. Для потолка использован акр стекла

Одной из самых любимых черт старого Пенсильванского вокзала были его арочные окна, пропускавшие потоки света — черта, которой, к сожалению, не было на нынешней Пенсильванской станции.Для зала Moynihan Train Hall компания SOM стремилась помочь естественным образом осветить пространство с помощью параболических окон, которые образуют волнообразный потолок и используют акр специального стекла. Структурные фермы и колонны, являвшиеся частью первоначального дизайна почтового отделения, в котором использовались подиумы, остались нетронутыми и придают просторному интерьеру ощущение воздушности.

5.Facebook будет якорным арендатором

Помимо использования в качестве транзитного узла, Moynihan Train Hall также включает в себя 120 000 квадратных футов торговых площадей (Starbucks — единственный арендатор, открытый в настоящее время) и более 700 000 квадратных футов офисных площадей. Несмотря на влияние пандемии на культуру работы на дому, в августе Facebook объявил, что будет сдавать в аренду офисные этажи всего здания, в том числе почти 70 000 квадратных футов ландшафтной парковой зоны на открытом воздухе и стеклянный павильон площадью 6 000 квадратных футов.

Обложка: Новый поездный зал Мойнихан в сумерках.

WWHP: Портреты из зала механиков

Портреты в зале механиков

Информация о портретах и ​​портретах публикуется с разрешения Зала механики

Клара Бартон — Доротея Линд Дикс — Эбби Келли Фостер — Люси Стоун

Концепт

Весной 1996 года Комитету по указателям и памятникам Вустерского женского исторического проекта под руководством Анджелы Доренкамп, почетного профессора английского языка и женских исследований в Успенском колледже, было поручено обеспечить «общественное и постоянное признание этим женщинам». которые внесли свой вклад в историю и культуру Вустера.»Среди предложенных идей возникла концепция показа в Механическом зале портретов выдающихся женщин середины девятнадцатого века, связанных с Вустером. Существующие портреты в Большом зале были подарены или приобретены на протяжении многих десятилетий; последний был приобретен в 1927 году, семьдесят Спустя годы после открытия здания в 1857 году. В результате исследования, проведенного членами Комитета, четыре ведущие женщины девятнадцатого века были отобраны, предложены и одобрены Руководящим комитетом Вустерского женского исторического проекта.Попечители Ассоциации механиков округа Вустер впервые дали свое принципиальное одобрение в сентябре 1996 года, а затем, в мае 1997 года, единогласно поддержали идею о том, чтобы в зале механиков висели портреты выдающихся женщин.

По просьбе представителя штата Харриетт Л. Чендлер Мэри Мелвилл и Ширли С. Сифф согласились стать сопредседателями целевой группы, в задачу которой входило выполнение задачи по представлению женщин, выбранных Вустерским проектом женской истории, в Большом зале. .Они обязались уважать эстетическую и историческую целостность Механического зала. В июне 1997 года было созвано собрание, чтобы представить инициативу общественности, заручиться поддержкой и предложениями. Ответ был замечательным. Присутствовало пятьдесят человек, десятки людей предложили свою помощь, были проконсультированы с экспертами, было сформировано несколько комитетов и была начата работа по сбору средств. В течение года более 125 000 долларов было пожертвовано примерно 210 частными лицами и фондами.

Начало работы

Был назначен комитет признанных экспертов по искусству под председательством Шейлы Тетлер, преподавателя искусства, уважаемого лидера художественного сообщества, бывшего координатора и члена руководящего комитета ежегодного Общегосударственного фестиваля искусств в Художественном музее Вустера.В состав комитета вошли Джорджия Барнхилл, куратор графических искусств Эндрю У. Меллон, Американское антикварное общество, Дэвид Бригам, куратор американского искусства Художественного музея Вустера, и Сандра Гриндли, куратор коллекции портретов Гарвардского университета. Был предпринят национальный поиск художников, специализирующихся на портретной живописи в традиционном классическом стиле. Четыре художника были отобраны и рекомендованы попечителям Ассоциации механиков округа Вустер, которые единогласно проголосовали за одобрение заказа картин.Были обнаружены и приобретены рамы девятнадцатого века, аналогичные тем, что в Механическом зале. Обязанность комитета заключалась в том, чтобы портреты соответствовали стилю картин Большого зала, были исторически точными и вывешивались в соответствующих местах.

Информационно-просветительский комитет инициировал конкурс портретов, открытый для всех детей школьного возраста в Вустере. Было получено около 300 работ, изображающих либо женщину, которой восхищались студенты, либо одну из четырех женщин, выбранных для портретов в Механическом зале.Работы двадцати финалистов были выставлены на первом праздничном мероприятии в Mechanics Hall в марте 1998 года, были показаны в торговом центре Worcester Common Outlet Mall и в Публичной библиотеке и снова выставлены на этом праздновании в октябре 1999 года.

Зал подарков механикам

В марте 1999 года попечителям Ассоциации механиков округа Вустер представили инициативу «Чествование женщин в механическом зале». Попечители задавали множество вопросов, долго обсуждали и единогласно проголосовали за то, чтобы принять четыре портрета в подарок от Вустерского женского исторического проекта, которые будут повешены в Большом зале.Портрет Клары Бартон, основательницы Американского Красного Креста, был написан Дэниелом Грином из Северного Салема, штат Нью-Йорк; Доротея Линд Дикс, которая отвечала за изменение подхода к лечению психически больных сначала в Массачусетсе, а затем по всей стране, была нарисована Сьюзен Мюррей Стоукс из Ньюбери, Массачусетс; Эбби Келли Фостер, известная борца за отмену рабства и избирательное право женщин, была нарисована Шарлоттой Уортон из Вустера, Массачусетс; Люси Стоун, убежденный реформатор и ведущий защитник прав женщин, была нарисована Нумаэлем Пулидо из Хэнкока, штат Нью-Хэмпшир.

На основании исследования Комитета по истории под председательством соучредителя Джанет МакКорисон (ныне покойная) и бывшего исполнительного директора Preservation Worcester, четыре портрета, недавно висящие в зале, были перемещены в места в зале Механик, соответствующие их исторической и художественной значимости. . Они похожи на Джона А. Эндрю, бывшего губернатора Массачусетса; Джеймс Б. Блейк, бывший мэр Вустера, чей портрет также висит в мэрии; Август Б.Р. Спрэг, ветеран гражданской войны, а затем мэр Вустера; и Джозайя Пикетт, герой гражданской войны, позже начальник почты Вустера и попечитель Ассоциации механиков округа Вустер.

Наследие

Mechanics Hall был признан историками архитектуры лучшим концертным залом страны до Гражданской войны. Он внесен в Национальный реестр исторических мест. Зал был построен в 1857 году Ассоциацией механиков графства Вустер и принадлежал промышленникам, их сотрудникам и студентам-механикам.Сегодня это некоммерческая ассоциация, которая владеет и управляет зданием, и членство в нем открыто для всех. В первые годы своего существования Механический зал использовался для проведения культурных и образовательных мероприятий, включая концерты и лекции, а также промышленные выставки. В нем размещались классы и техническая библиотека. Современная миссия Ассоциации — сохранить и поддерживать Зал как художественно вдохновляющее место для культурных и общественных мероприятий.

Сегодня, 25 октября 1999 года, отмечается годовщина встречи сто сорок девять лет назад женщин и мужчин со всей страны здесь, в Вустере, прямо через дорогу от Механикс Холл.Они были здесь, чтобы поддерживать и продвигать дело прав женщин и всеобщего избирательного права. Сегодня мы празднуем включение образов четырех женщин, которые заслуживают уважения и памяти, вместе со своими коллегами-мужчинами в одном из лучших мест для собраний в стране.

Очень большое количество людей сделали возможным это историческое предприятие. Портреты в зале Механики, изображающие выдающихся и преданных своему делу мужчин и женщин девятнадцатого века, служат образцом для нынешнего и будущих поколений.Вустеру есть чем гордиться как своей историей ответственного руководства, так и нынешней жизнеспособностью и преданностью делу благополучия всех своих граждан.

Клара Бартон — Доротея Линд Дикс — Эбби Келли Фостер

Шарль Лебрен | Версальский дворец

Вундеркинд Ле Брен поступил на службу к королю Людовику XIV в 1647 году как «Художник и Валет де Шамбр». В 1660 году он написал «Семейство Дария до Александра », которое несколько лет спустя было повешено в Марсовом зале и где оно находится сегодня.Это принесло Ле Брену репутацию гениального французского художника и его продвижение в 1664 году до должности первого художника короля. После этого он получал все больше и больше комиссий и еще больших почестей.

В Версале он смог дать волю своим навыкам и быстро создал прекрасные украшения, в том числе Посольскую лестницу (1674-78), Зеркальный зал (1678-86), Комнату мира и Военная комната (1685-86). В каждом случае он воздавал должное действиям короля.Он также отвечал за убранство парадных покоев, возложенных на величайших художников того времени, которые работали по его рисункам.

Ле Брун также спроектировал большинство статуй в Версальском парке (Великое поручение 1674 года).

Ле Брен был одним из основателей Королевской академии живописи и скульптуры в 1648 году, а в 1663 году он стал менеджером мануфактуры гобеленов. Таким образом, он курировал создание королевской мебели и обивки. Он написал знаменитые работы по нескольким сериям тем, из которых самыми известными являются «История Александра » (Лувр) и «История короля » (Версаль).Как директор и теоретик Академии, он считал, что живопись должна пробуждать интеллект, а не привлекать взгляд. Его картины строго следовали колориту барокко, а также классической технике рисования.

В возрасте 11 лет он уже тренировался в студии Симона Вуэ, где привлек внимание канцлера Сегье, своего первого покровителя. Его конный портрет (Лувр) был шедевром этого жанра. Вместе с Николя Пуссеном, который дал ему классическое образование в дополнение к стилю барокко, которому он научился у Вуэ, Ле Брен отправился в Италию.Позже он пользовался покровительством Фуке, для которого он создал украшение для Во-ле-Виконта, которое принесло ему репутацию в Версале, как и Галерея Аполлона в Лувре, его первый проект королевского декора, который был завершен в 19 веке. пользователя Делакруа. К художнику привлек политический деятель Кольбер. Смерть Кольбера в 1683 году, однако, ознаменовала постепенный упадок карьеры Ле Брена, поскольку Лувуа, сменивший Кольбера на посту суперинтенданта, впоследствии стал отдавать предпочтение своему сопернику Пьеру Миньяру.После этого Ле Брен работал только над станковыми картинами.

Создатель большого количества рисунков и гравюр, Ле Брен также подготовил ряд талантливых художников, которые поддержали репутацию французской живописи в 18 веке (Ла Фосс, Жувене, Уасс, Буллонь и т. Д.)

Зал Быков, Ласко — Smarthistory

Мы так же склонны общаться, используя легко интерпретируемые картинки, как и текст. Портативные портативные устройства позволяют нам через социальные сети сообщать другим, что мы делаем и думаем.Примерно 15 000 лет назад мы также общались с помощью картинок, но без письменности.

Расположение, расположение, расположение!

Примерно 15 000 лет спустя в долине Везер на юго-западе Франции современные люди жили и были свидетелями миграционных схем огромного количества диких животных. Они обнаружили пещеру на высоком холме с видом на долину. Внутри неизвестное количество этих людей рисовали и раскрашивали изображения, которые, когда-то обнаруженные в 1940 году, будоражили воображение как исследователей, так и широкой публики.

Пройдя через маленькие отверстия и узкие проходы, чтобы получить доступ к большим комнатам за их пределами, доисторические люди обнаружили, что поверхности стен пещеры функционируют как идеальный чистый «холст», на котором можно рисовать и рисовать. Белый кальцит под крышей из непористого камня — это уникальное сухое место для выставок произведений искусства. Для рисования эти ранние художники использовали древесный уголь и охру (разновидность пигментированного земляного материала, который мягкий и может смешиваться с жидкостями и бывает разных цветов, таких как коричневый, красный, желтый и белый).Мы находим изображения лошадей, оленей, бизонов, лосей, нескольких львов, носорога и медведя — почти как энциклопедию большой доисторической дикой природы этой местности. Среди этих изображений есть абстрактные знаки — точки и линии в различных конфигурациях. На одном изображении фигура гуманоида играет загадочную роль.

Как они это сделали?

Животные визуализированы в так называемой «искривленной перспективе», когда их тела изображены в профиль, в то время как мы видим рога с более фронтальной точки зрения.Изображения иногда бывают полностью линейными — линия, определяющая контур животного. Во многих других случаях животные описываются сплошными и смешанными цветами, которые ртом наносят на стену. В других частях пещеры Ласко художники вырезали линии на мягкой кальцитовой поверхности. Некоторые из них окрашены в цвет, другие — нет.

Ласко II (копия оригинальной пещеры, которая закрыта для публики), оригинальная пещера: ок. 16000-14000 гг. До н. Э., Длина 11 футов 6 дюймов (фото: Франческо Бандарин, CC BY-SA 3.0)

Пещеры различаются по размеру и легкости доступа. Знаменитый Зал Быков (внизу) достаточно большой, чтобы вместить около пятидесяти человек. Остальные «комнаты» и «залы» необычайно узкие и высокие.

Археологи нашли сотни каменных орудий труда. Они также обнаружили дыры в некоторых стенах, которые могли поддерживать леса из ветвей деревьев, которые могли бы поднять художника достаточно высоко, чтобы добраться до верхних поверхностей. Обнаружена окаменевшая пыльца; эти зерна были случайно принесены в пещеру первыми посетителями и помогают ученым понять окружающий мир.

Левая стена Зала Быков, Ласко II (копия оригинальной пещеры, которая закрыта для публики), оригинальная пещера: ок. 16 000–14 000 до н. Э., 11 футов 6 дюймов в длину

Зал Быков

Учитывая большой масштаб многих изображений животных, мы можем предположить, что художники работали сознательно — тщательно вычерчивая определенную форму, прежде чем закончить контуры и добавить цвет. Некоторые исследователи считают, что «мастера-художники» прибегали к помощи помощников, которые смешивали пигменты и держали в руках лампы из животного жира, чтобы осветить пространство.С другой стороны, в случае «комнат», содержащих в основном гравированные и перекрывающиеся формы, кажется, что чистый процесс рисования и повторного повторного рисования имел серьезное (возможно, ритуальное) значение для создателей.

Почему они это сделали?

Многие ученые размышляли о том, почему доисторические люди рисовали и гравировали стены в Ласко и других подобных пещерах. Возможно, самая известная теория была выдвинута священником по имени Анри Брей. Брейль проводил много времени во многих пещерах, тщательно записывая изображения на рисунках, когда их было слишком сложно сфотографировать.Основываясь в первую очередь на области исследований, известной как этнография, Брей считал, что изображения играют роль в «охотничьей магии». Теория предполагает, что доисторические люди, которые использовали пещеру, могли полагать, что способ одолеть свою жертву заключался в создании ее изображений во время ритуалов, предназначенных для обеспечения успешной охоты. Это кажется правдоподобным, если мы вспомним, что выживание полностью зависело от успешного поиска пищи и охоты, хотя также важно помнить, как мало мы на самом деле знаем об этих людях.

Бизон с раздвоенной грудью и человеческая фигура с птичьей головой? Пещера в Ласко, c. 16 000–14 000 до н. Э.

Другая теория предполагает, что изображения передают повествования (истории). Хотя для этого можно увидеть несколько изображений, одно конкретное изображение в Ласко более прямо подтверждает эту теорию. Бизон, нарисованный сильными черными линиями, ощетинивается энергией, мех на его шее встает дыбом, а голова резко повернута лицом к нам. Форма, нарисованная под брюшком зубра, интерпретируется как внутренние органы, выходящие из раны.Более грубо нарисованная фигура, расположенная ниже и слева от бизона, может представлять собой гуманоидную фигуру с головой птицы. Рядом тонкая линия увенчана еще одной птицей и еще есть стрела с зазубринами. Ниже и в крайнем левом углу можно различить частичный контур носорога.

Сохранение для будущего изучения

Пещеры Ласко — самые известные из всех известных пещер в регионе. Фактически, их популярность постоянно подвергает их опасности.С 1940 по 1963 год из-за количества посетителей и их воздействия на тонко сбалансированную среду пещеры, которая так долго сохраняла изображения пещер, потребовалось закрыть пещеру для публики. Реплика под названием Lascaux II была создана примерно в 200 ярдах от этого места. Первоначальная пещера Ласко теперь внесена в список Всемирного наследия ЮНЕСКО. Ласко потребует постоянной бдительности и ухода, чтобы сохранить его для будущих поколений.

Ласко по-прежнему окружает множество загадок, но одно несомненно.Сама человеческая потребность общаться в форме изображений — для любых целей — существует с самого начала.

Грегори Кертис, Пещерные художники: исследование тайн первых художников мира (Нью-Йорк: Альфред А.